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domenica 9 ottobre 2016
Festival Mimesis
sabato 8 ottobre 2016
Ritrovando il Paradiso nel " Paradiso Perduto" di Federico Biolchi; tre approcci alla traduzione.
Pubblichiamo le traduzione dei primi versi del testo di John Milton, ad opera di Federico Biolchi, Roberto Sanesi e di Roberto Piumini.
Della prima disobbedienza dell'uomo, e
del frutto
di quel proibito albero, il cui fatal
sapore
dentro al mondo recò la morte e ogni
nostra pena
dopo la perdita di Eden, finché un più
grande Uomo
non giunga a risanarci, e riconquisti
il benedetto seggio,
canta, Musa celeste, tu che sulla vetta
segreta
di Oreb o di Sinai ispirasti quel
pastore
che primo insegnò all'eletta stirpe
come cielo e terra in principio
emersero dal caos;
e se più ti aggrada il colle di Sion,
o il ruscello di Siloe che rapido
fluiva presso
l'oracolo di Dio, io da questi luoghi
invocherò sostegno pel mio audace
canto,
che alto aspira a levarsi in volo
sull'aonio monte
per
inseguir cose mai tentate
in prosa o rima.
E sovra ogni cosa, o Spirito, tu che ad
ogni tempio
preferisci un degno cuore e puro,
istruiscimi,
tu che sai, poichè dal principio
tu fosti presente, e con possenti ali
di colomba
spiegate posasti a cova del
vasto abisso
e lo rendesti pregno: ciò che è
oscuro in me
illumina, ciò che è basso innalza e
sostieni,
chè
fino all'apice di sì alta materia
io possa testimoniare l'Eterna
Provvidenza
e agli uomini aprire le vie di Dio.
Racconta dapprima, poichè il cielo
nulla
nasconde alla tua vista, nemmeno
la profonda distesa infernale,
racconta quale fu la causa
che mosse i nostri padri di quel felice
stato,
e sì alti nel favore dei Cieli, a
cader lontani
dal loro Creatore, a trasgredirne il
volere
per uno e un solo divieto, altrimenti
signori del mondo.
Federico Biolchi
Della prima disobbedienza dell'uomo, e
del frutto
dell'albero proibito, il cui gusto
fatale condusse
la morte nel mondo, e con ogni dolore
la perdita
dell'Eden, fin quando non giunga più
grande
un Uomo a risanarci riconquistando il
seggio benedetto,
canta, Musa Celeste, che sopra la vetta
segreta
dell'Oreb o del Sinai donasti
ispirazione a quel pastore
che per primo insegnò alla stirpe
eletta
come in principio sorsero i cieli e la
terra dal Caos;
o se il colle di Sion maggiormente ti
aggrada,
e il ruscello di Siloe che scorreva
rapido
presso l'oracolo di Dio, da questi
luoghi
offri, ti prego, aiuto al canto
avventuroso
che in alto volo aspira a sollevarsi
sul Monte Aonio, e si propone cose
mai tentate in passato in prosa o in
rima.
E soprattutto, o Spirito, che sempre
preferisci
più d'ogni tempio un cuore saldo e
puro,
poiché tu sai, istruiscimi; tu che fin
dall'inizio
fosti presente e con ali possenti
spalancate
come colomba covasti quell'abisso
immane
e lo rendesti pregno: ciò che è in me
oscuro illumina,
e ciò che è basso innalzalo e
sostienilo;
che dalle vette di questo grande
argomento
io possa confermare la Provvidenza
Eterna,
e la giustezza delle vie divine
rivelare agli uomini.
Tu racconta dapprima, poiché nulla il
cielo
nasconde alla tua vista, nemmeno
la profonda regione dell'inferno,
tu racconta dapprima quale fu la causa
che i nostri padri in quel felice
stato, e altamente
favoriti dal Cielo, sospinse alla
caduta
dal loro Creatore, e a trasgredire su
un minimo divieto
il suo volere, altrimenti signori del
mondo.
Roberto Sanesi
Del primo atto di disobbedienza
che l'uomo ha commesso, e del frutto
dell'albero proibito, il cui fatale
sapore ci portò dolore e morte
e perdita dell'Eden, fino a quando
l'Uomo maggiore ci risanerà
riconquistandoci il luogo beato,
cantami o Musa, come sul nascosto
monte d'Oreb o Sinai, ha ispirato
quel pastore che al popolo eletto
svelò per primo come cieli e terra
uscirono in origine dal Chaos
o, se ti piace di più la collina
di Sion, o il Siloe, che scorreva
presso il tempio di Dio, io da laggiù
invoco il tuo aiuto sul mio canto
che avventurosamente tenta il volo
all'Elicona, per imprese ancora
non tentate in prosa, o in poesia.
Ma soprattutto, Spirito, che vuoi,
più dei templi, cuore retto e puro,
Tu che sai tutto, ispirami: presente
se stato dal principio, e, spalancando
le tue ali possenti, hai ricoperto
come colomba l'infinto abisso
e l'hai ingravidato: ora rischiara
ciò che è buio in me, alza e sostieni
ciò che è basso, perchè io dimostri,
levandomi all'altezza del soggetto,
l'eterna Provvidenza, e come giuste
siano, per noi, le vie del Creatore.
Per prima cosa, dato che ogni aspetto
del Cielo tu conosci, anche del fondo
territorio infernale, prima dimmi
quale ragione spinse i genitori,
nel loro stato felice, a tal punto
favoriti dal Cielo a separarsi
dal loro Dio e a disobbedire,
già padroni del mondo, al suo divieto?
Roberto Piumini
Potete trovare qui il testo originale
7 - 8 - 9 Ottobre "Ciò che ci rende umani" Festival: poesia, filosofia, arti, teatro
Invitiamo di nuovo la città al rito della conoscenza, a quella trasmissione da bocca a orecchio che ha il potere, quando eccelle, di ingravidare gli animi. Facciamo di nuovo un atto di fede nella parola, insieme alle genti della nostra città, agli affamati e assetati di senso, di pensiero, di riflessione, di incontro, di conoscenza di sé. Ciò che ci rende umani resta titolo e tema di quest’anno. Ma guardando il progetto nel suo insieme, pare che tutti gli ospiti ci spingano verso il medesimo motto rivoluzionario, quel «conosci te stesso» già scritto sul tempio di Apollo e base di ogni equilibrio personale e sociale. È da questo motto che tutto oggi, forse più di un tempo, pare volerci strappare.
Nei quattro grandi incontri domenicali, qualcuno ci guiderà verso la conoscenza del nostro pensiero (Chandra Livia Candiani, poeta e attenta indagatrice della mente), del nostro dolore (Vito Mancuso, teologo), del meglio di noi (Romano Màdera, filosofo) e delle nostre emozioni fragili (Eugenio Borgna psichiatra). Brevi versi di Mariangela Gualtieri prepareranno all’ascolto in apertura di ogni incontro.
Anche la mostra di Sabrina Mezzaqui, che aprirà l’intera rassegna e per la prima volta a Cesena, è di nuovo un atto di fede nella parola, nella sua forma scritta, potenziata dal presente-arcaico delle percussioni di Enrico Malatesta.
Cesare Ronconi allestirà la Sala del Capitano nel palazzo del Ridotto con la festosa solennità che questo incontro fra umani promette, per finire, l’ultima domenica, con una installazione teatrale agita da giovani attori schierati ad accogliere il pubblico. Nei laboratori saranno in primo piano il corpo e la voce, in proposte che tengono insieme teatro, ascolto del silenzio e della natura, danza, canto, meditazione, risveglio dell’attenzione creativa, in gruppi che creano comunità provvisorie e feconde (guidati da Danio Manfredini, Leonardo Delogu, Maia Cornacchia, Gianfranco Bertagni, Cesare Ronconi).
Non poteva mancare un tempo dedicato ai bambini, anch’essi chiamati a ridare energia e carica alle parole, invitati a scriverle sul selciato delle vie del centro, quasi a ricordarci che la poesia può essere una preziosa alleata di ogni passo, di ogni giorno (in collaborazione con Katrièm). Da ultimo, il lunedì sera, una breve rassegna di film dedicata a vite di poeti: Allen Ginsberg, John Keats, i Bertsolari baschi, Antonia Pozzi, Amelia Rosselli (in collaborazione col Centro Cinema S. Biagio).
fonte e schede di approfondimento degli incontri
Dettagli
7, 8 e 9
ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Palazzo del Ridotto, Sala Sozzi -
Cesena
laboratori
La voce,
il canto, l’interpretazione
condotto da Danio Manfredini
Iscrizioni chiuse
14, 15 e
16 ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Biblioteca Malatestiana, Sala Lignea -
Cesena
laboratori
Meditazione delle mani
condotto da Sabrina Mezzaqui
Iscrizioni chiuse
Il manufatto scaturito dal
laboratorio resterà esposto all’interno della Biblioteca Malatestiana, nella
Sala Lignea,
dal 16 ottobre al 6
novembre, accompagnato dalle immagini scattate dal fotografo Paolo Carraro
durante il lavoro.
15
ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Palazzo del Ridotto, Sala Sozzi - Cesena, ore
17.00
inaugurazione
mostra
i più
arrischianti
voci e
volti dei poeti del ‘900
a cura di Cesare Ronconi e Mariangela
Gualtieri
in collaborazione con Giulia Morucchio e Blauer
Hase
con il contributo di Cristina Navacchia
a seguire:
poeta,
polvere innamorata
Roberta
Sireno
“senza governo” (Raffaelli, 2016)
16
ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Teatro G. Verdi - Cesena, ore
17.00
incontri
ENZO
BIANCHI
Umanità insieme
18 ottobre
presso Istituto Italiano di Cultura di Madrid -
Spagna
Porpora
rito
sonoro per cielo e terra
con Stefano Battaglia e Mariangela Gualtieri
con Stefano Battaglia e Mariangela Gualtieri
cura di Cesare Ronconi
testi scritti e recitati da Mariangela
Gualtieri
musiche composte ed eseguite dal vivo da Stefano
Battaglia
per info
21, 22 e
23 ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Biblioteca Malatestiana, Sala Lignea - Cesena
laboratori
Filosofia
come modo di vivere
condotto da Romano Màdera
Iscrizioni fino al 17 ottobre
22
ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Palazzo del Ridotto, Sala Sozzi - Cesena, ore
17.00
poeta,
polvere innamorata
Azzurra
D’Agostino
“Canti di un luogo abbandonato” (Anonima Impressori,
2016)
lettura con musica dal vivo composta ed eseguita
da Andrea Biagioli
23
ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Teatro G. Verdi - Cesena, ore
17.00
incontri
UMBERTO
CURI
Nostri sovrumani aiutanti
politica e speranza dal mito di
Prometeo
24
ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Cinema San Biagio - Cesena, ore
21.00
lo sguardo
acuto del cinema
Omaggio a
Vittorio De Seta
testimone
dell’umano
a cura della Cineteca di Bologna
27 ottobreall’interno della rassegna Quarta Parete
presso Teatro Comunale - Nardò
BELLO
MONDO
rito
sonoro
di e con Mariangela Gualtieri
di e con Mariangela Gualtieri
per info
29
ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Palazzo del Ridotto, Sala Sozzi - Cesena, ore
17.00
poeta,
polvere innamorata
Roberta
Ioli
“Radice d’ombra” (Italic Pequod, 2016)
30
ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Teatro G. Verdi - Cesena, ore
17.00
incontri
MARIO
BRUNELLO
Musica e silenzio
31
ottobre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Cinema San Biagio - Cesena, ore
21.00
lo sguardo
acuto del cinema
Il mistero
della visione
sguardi
lancinanti di giovani autori
a cura di Marco Bertozzi
4, 5 e 6
novembre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Palazzo del Ridotto, Sala Sozzi -
Cesena
laboratori
Percorsi
per una cartografia performativa
condotto da Lucia Palladino
Iscrizioni fino al 31 ottobre
6
novembre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Teatro G. Verdi - Cesena, ore
17.00
teatro
PROLOGO
DELLE BAMBINE
regia Cesare Ronconi
testo Mariangela Gualtieri
con la partecipazione di Agata e Bettina
Scarpelli
a seguire:
incontri
ANTONELLA
ANEDDA
Cosa ci rende umani?
7
novembre
all’interno della terza edizione di Ciò che ci rende
umani
presso Cinema San Biagio - Cesena, ore 21.00
lo sguardo
acuto del cinema
I
NARRABONDI
incontro con
Paolo Rumiz e Alessandro
Scillitanigiovedì 6 ottobre 2016
Grazie a Raniero La Valle
Il fulcro di questa restaurazione consiste nel trasferire
la sovranita' dal popolo ai mercati.
E' una restaurazione che ha bisogno di poteri spicci e
sbrigativi, tanto meglio se loquaci, che mettano la politica al passo coi dogmi
economici, magari pregati di essere piu' flessibili.
Cio' comporta un blocco del pluralismo politico e richiede
una societa' impietosa divisa in due tra vincenti e perdenti, accolti ed
esclusi, necessari ed esuberi, salvati e sommersi. Per i poveri, che non hanno
altra ricchezza che il diritto, e' un disastro. Ed e' una societa' che non puo'
piu' ripudiare la guerra, perche' la guerra e' il giudice di ultima istanza
nella lotta per gli interessi esterni del sistema, per le risorse e per la
supremazia
A Narni primo festival della Sociologia
A questo proposito ci siamo ricordati delle parole di Danilo Montaldi: "... ogni lavoro di interpretazione che non si esaurisca nelle singole situazioni ma restituisca luogo e spazio più vasti a ogni fatto o episodio, è tanto un aspetto della ricerca di autocoscienza quanto un elemento dell'azione trasformatrice".
Danilo Montaldi in "Autobiografie della leggera"
mercoledì 5 ottobre 2016
martedì 4 ottobre 2016
"Il pane selvaggio", Piero Camporesi, Il Saggiatore
Scrive Umberto Eco: "Camporesi legge e scopre testi che le storie
della letteratura hanno ignorato... ha passato la vita a riscoprirli e a
rileggerli come testimonianze di un modo di vivere... Camporesi è un
signore che entra in una stanza dove c'è un tappeto dai disegni e dai
colori bellissimi, che tutti hanno sempre considerato come un'opera
d'arte; lo prende per un lembo, lo rivolta e ci mostra che sotto quel
tappeto brulicavano vermi scarafaggi larve tutta una vita ignota e
sotterranea. Una vita che nessuno aveva mai scoperto, eppure era sotto
il tappeto..."
Si ringrazia Doppiozero e Andrea Cortellessa. Ai giovani amici che non hanno capito perchè "Il romanzo di Castel porziano ci fosse così caro"
Alla morte di Vladimir Majakovskij, nel 1930, un suo amico,
il grande linguista Roman Jakobson – dismesso per qualche pagina
l’abituale rigore dottrinario – scrisse un epicedio, un apologo
memorabile al quale diede il titolo Una generazione che ha dissipato i suoi poeti.
Elenca i nomi dei poeti fucilati (Gumilëv), suicidati (Esenin, oltre
allo stesso Majakovskij), morti di stenti (Blok, Chlebnikov). Tutti
spariti fra i trenta e i quarant’anni: «in ognuno di essi v’è la
coscienza dell’ineluttabile condanna». Non aveva né trenta né
quarant’anni, ne aveva settanta Simone Carella quando è morto dopo lunga
malattia, ieri, in una clinica romana. Ma è tristemente vero quanto
scriveva qualche anno fa (in Declino del teatro di regia)
l’amico e lungamente complice Franco Cordelli: «A un certo punto mi sono
guardato attorno e mi sono chiesto: perché i registi che ho amato sono
già morti? Morti dal punto di vista teatrale o anche, purtroppo, in
senso letterale. I grandi sperimentatori degli anni Settanta – Simone
Carella, Ugo Margio, Bruno Mazzali, Giancarlo Nanni, Memè Perlini, Mario
Ricci, Gianfranco Varetto, Giuliano Vasilicò – si sono tutti consumati,
fisicamente consumati, nella ricerca delle risorse e degli spazi per
poter continuare a lavorare, sono andati avanti per un po’ sulla base
dell’entusiasmo, del volontariato, ma alla fine si sono letteralmente
esauriti».
Gli ultimi anni di Carella – uno al quale l’entusiasmo mai è venuto meno – sono stati una successione di illusioni e di smacchi: con rampanti manager istituzionali che dopo interminabili anticamere, in nome del suo grande passato lo ricevevano, gli facevano tanti complimenti, lo mettevano cortesemente alla porta. L’ultimo suo progetto era di commissionare, agli scenografi dell’avanguardia romana che fu, una serie di affreschi “narrativi” nel foyer del Teatro India, che raccontassero la leggenda di quegli anni Sessanta e Settanta. Un album di memorie di un passato glorioso ma, soprattutto, un monito per lo stentato, lo stinto presente. Ridotto a uno scheletro nel suo letto d’ospedale, gli occhi enormi, liquidi e mobilissimi, mi ha stretto le mani Simone e mi ha ripetuto: «vedrai che lo faccio, l’affresco».
Un paio d’anni fa ha spiegato lo stesso Carella – con sorprendente nettezza “marxiana” – alla fine della bella intervista che gli ha fatto su doppiozero il giovane curatore d’arte Luca Lo Pinto (fra gli ideatori della rivista «Nero», ora emigré a Vienna): «tutta questa stagione si conclude nel 1985 con la fine dell’assessorato di Nicolini. Quello che era un processo creativo spontaneo comincia a istituzionalizzarsi. Non a caso, nel 1986 nasce RomaEuropa con l’ingresso di capitale finanziario come Ina Assitalia». Nel 1985 Carella ha meno di quarant’anni: e allora tornano, i conti di Jakobson. Ma non è stata la sua generazione, a dissipare poeti come Simone Carella. È stata la mia, invece. Dice Jakobson: «adesso è più penoso, ma più facile scrivere non di ciò che è stato perduto, sebbene della perdita e di chi ha perso». Penoso lo è senz’altro, facile non direi proprio.
Simone Carella e Franco Cordelli.
Ma cos’era, Carella? La dizione amministrativa, «regista di teatro», non pare dire nulla. Sebbene i critici e gli storici (come Valentina Valentini in Nuovo teatro made in Italy 1963-2013) gli abbiano riconosciuto un ruolo di primo piano in quella che Giuseppe Bartolucci definiva, allora, la «postavanguardia» anni Settanta (divinandone peraltro il destino di dissipazione: nel «rifiuto del prodotto a favore dell’esperienza»). In spettacoli come La morte di Danton e Autodiffamazione, o nelle Luci della città (insieme alla Gaia Scienza di Giorgio Barberio Corsetti), tutti del 1975-76, Carella regista portava all’estremo la smaterializzazione dell’attore, la sua sublimazione in astratte architetture di luce (non a caso qualche anno dopo si farà promotore degli spettacoli fondativi del postmodernismo, Tango glaciale di Martone ed Eneide di Krypton di Cauteruccio). A Lo Pinto dice semplicemente, Simone: «la mia volontà era di animare un luogo dove si scambiavano continuamente le esperienze e pratiche artistiche senza distinguere tra teatro, musica, poesia, arte visiva, danza e arti performative». Il corpo fisico del performer si annullava ma anche si esaltava, in un gioco di specchi sempre fortemente ironico, nel quale le frontiere disciplinari non venivano messe in discussione: semplicemente, se ne prescindeva.
C’era, alle spalle, tutto il suo percorso. L’odissea del «giovane povero» che a quindici anni, da Carbonara di Bari, si rifugia a Roma e fa il liceo (senza concluderlo) allo Sperimentale, va a fare il fattorino dal sarto Capucci, a Piazza di Spagna frequenta i capelloni che un bel giorno lo portano a teatro, al Dioniso a Madonna dei Monti. Lui s’imbuca e scopre un mondo. Lì regna Giancarlo Celli, che mette in scena i testi «impossibili» del Gruppo 63, come Fecaloro di Elio Pagliarani: «mi piaceva il modo in cui usavano la lingua e si opponevano al servilismo lirico della poesia». Vede passare tutto e tutti, in quegli anni Sessanta. Il Living Theatre e Il Principe Costante di Grotowski. L’ascesa e le ubbie di Carmelo Bene, di Leo e Perla. Gli Uccelli nel Sessantotto. Legge La società dello spettacolo di Debord e il libro di Richard Schechner sull’enviromental theater – la sua più autentica ispirazione resterà sempre quella di inventare luoghi. Era un tempo in espansione: nel quale non solo i linguaggi si propagavano l’uno nell’altro, ma fisicamente i luoghi tradizionali venivano abbandonati e, così, radicalmente ridefiniti (l’ultimo festival di poesia, Simone lo ha inventato a Corviale). Il tempo dell’Orlando Furioso in piazza di Ronconi e Sanguineti (1969), della mostra Contemporanea di Bonito Oliva nel sotterraneo di Villa Borghese (1973). Carella divide il suo tempo fra la galleria di Fabio Sargentini, l’Attico, dove fa il «factotum» (una parola che gli piaceva da morire) per i Kounellis e gli Smithson (nel ’72 finisce sotto processo per sequestro di persona, per lo scandaloso allestimento di Gino De Dominicis, Seconda Soluzione di Immortalità, con un giovane down, Paolo Rosa, esposto alla Biennale), e il teatro-cantina Beat 72, fondato qualche anno prima da Ulisse Benedetti vicino Piazza Cavour, in Via Gioacchino Belli 72. Lì fa esibire i grandi musicisti, La Monte Young, Terry Riley, Charlemagne Palestine. Lì inventa con Cordelli le performance del Poeta postumo, mentre nel ’77 la città si rintana letteralmente sotto terra.
E, l’estate di due anni dopo, il big bang di Castelporziano: il festival dei poeti, la Woodstock della poesia che conta a un certo punto ventimila spettatori, in gran parte nudi, sulla spiaggia: in cui la poesia espansa, divenuta d’improvviso fenomeno di costume, si trasforma in teatro della crudeltà narcisistico, insolente profezia del mare della soggettività – come lo chiamava allora Dario Bellezza – in cui tuttora naufraghiamo.
Infiniti altri, con questi, i ricordi che Simone ti regalava. Con una generosità tanto vasta e competente quanto semplice, immediata. Senza nostalgie né smanie di protagonismo. Sempre rivolto agli altri, ora come allora. E a te, che non avevi visto niente, all’improvviso pareva di vedere tutto – riflesso nei suoi occhi. Quegli occhi così grandi e spalancati nei quali il suo corpo prosciugato, alla fine, pareva volersi concentrare tutto. Lo sforzo “documentario” degli ultimi anni – le dirette in streaming dell’E-Theater, le infinite riprese video con la complicità di Areta Gambaro, il Romanzo di Castelporziano pubblicato l’anno scorso con Stampa Alternativa, le stesse interviste a Lo Pinto o alla figlia Elettra, che si spera potrà presto raccoglierle e ordinarle, così come l’archivio del Beat 72 – si lascia intendere come un tentativo, epico nella sua impossibilità, di restituirci il mare di vita di cui Simone Carella è stato testimone. Erano i suoi occhi, il vero affresco.
Gli ultimi anni di Carella – uno al quale l’entusiasmo mai è venuto meno – sono stati una successione di illusioni e di smacchi: con rampanti manager istituzionali che dopo interminabili anticamere, in nome del suo grande passato lo ricevevano, gli facevano tanti complimenti, lo mettevano cortesemente alla porta. L’ultimo suo progetto era di commissionare, agli scenografi dell’avanguardia romana che fu, una serie di affreschi “narrativi” nel foyer del Teatro India, che raccontassero la leggenda di quegli anni Sessanta e Settanta. Un album di memorie di un passato glorioso ma, soprattutto, un monito per lo stentato, lo stinto presente. Ridotto a uno scheletro nel suo letto d’ospedale, gli occhi enormi, liquidi e mobilissimi, mi ha stretto le mani Simone e mi ha ripetuto: «vedrai che lo faccio, l’affresco».
Un paio d’anni fa ha spiegato lo stesso Carella – con sorprendente nettezza “marxiana” – alla fine della bella intervista che gli ha fatto su doppiozero il giovane curatore d’arte Luca Lo Pinto (fra gli ideatori della rivista «Nero», ora emigré a Vienna): «tutta questa stagione si conclude nel 1985 con la fine dell’assessorato di Nicolini. Quello che era un processo creativo spontaneo comincia a istituzionalizzarsi. Non a caso, nel 1986 nasce RomaEuropa con l’ingresso di capitale finanziario come Ina Assitalia». Nel 1985 Carella ha meno di quarant’anni: e allora tornano, i conti di Jakobson. Ma non è stata la sua generazione, a dissipare poeti come Simone Carella. È stata la mia, invece. Dice Jakobson: «adesso è più penoso, ma più facile scrivere non di ciò che è stato perduto, sebbene della perdita e di chi ha perso». Penoso lo è senz’altro, facile non direi proprio.
Simone Carella e Franco Cordelli.Ma cos’era, Carella? La dizione amministrativa, «regista di teatro», non pare dire nulla. Sebbene i critici e gli storici (come Valentina Valentini in Nuovo teatro made in Italy 1963-2013) gli abbiano riconosciuto un ruolo di primo piano in quella che Giuseppe Bartolucci definiva, allora, la «postavanguardia» anni Settanta (divinandone peraltro il destino di dissipazione: nel «rifiuto del prodotto a favore dell’esperienza»). In spettacoli come La morte di Danton e Autodiffamazione, o nelle Luci della città (insieme alla Gaia Scienza di Giorgio Barberio Corsetti), tutti del 1975-76, Carella regista portava all’estremo la smaterializzazione dell’attore, la sua sublimazione in astratte architetture di luce (non a caso qualche anno dopo si farà promotore degli spettacoli fondativi del postmodernismo, Tango glaciale di Martone ed Eneide di Krypton di Cauteruccio). A Lo Pinto dice semplicemente, Simone: «la mia volontà era di animare un luogo dove si scambiavano continuamente le esperienze e pratiche artistiche senza distinguere tra teatro, musica, poesia, arte visiva, danza e arti performative». Il corpo fisico del performer si annullava ma anche si esaltava, in un gioco di specchi sempre fortemente ironico, nel quale le frontiere disciplinari non venivano messe in discussione: semplicemente, se ne prescindeva.
C’era, alle spalle, tutto il suo percorso. L’odissea del «giovane povero» che a quindici anni, da Carbonara di Bari, si rifugia a Roma e fa il liceo (senza concluderlo) allo Sperimentale, va a fare il fattorino dal sarto Capucci, a Piazza di Spagna frequenta i capelloni che un bel giorno lo portano a teatro, al Dioniso a Madonna dei Monti. Lui s’imbuca e scopre un mondo. Lì regna Giancarlo Celli, che mette in scena i testi «impossibili» del Gruppo 63, come Fecaloro di Elio Pagliarani: «mi piaceva il modo in cui usavano la lingua e si opponevano al servilismo lirico della poesia». Vede passare tutto e tutti, in quegli anni Sessanta. Il Living Theatre e Il Principe Costante di Grotowski. L’ascesa e le ubbie di Carmelo Bene, di Leo e Perla. Gli Uccelli nel Sessantotto. Legge La società dello spettacolo di Debord e il libro di Richard Schechner sull’enviromental theater – la sua più autentica ispirazione resterà sempre quella di inventare luoghi. Era un tempo in espansione: nel quale non solo i linguaggi si propagavano l’uno nell’altro, ma fisicamente i luoghi tradizionali venivano abbandonati e, così, radicalmente ridefiniti (l’ultimo festival di poesia, Simone lo ha inventato a Corviale). Il tempo dell’Orlando Furioso in piazza di Ronconi e Sanguineti (1969), della mostra Contemporanea di Bonito Oliva nel sotterraneo di Villa Borghese (1973). Carella divide il suo tempo fra la galleria di Fabio Sargentini, l’Attico, dove fa il «factotum» (una parola che gli piaceva da morire) per i Kounellis e gli Smithson (nel ’72 finisce sotto processo per sequestro di persona, per lo scandaloso allestimento di Gino De Dominicis, Seconda Soluzione di Immortalità, con un giovane down, Paolo Rosa, esposto alla Biennale), e il teatro-cantina Beat 72, fondato qualche anno prima da Ulisse Benedetti vicino Piazza Cavour, in Via Gioacchino Belli 72. Lì fa esibire i grandi musicisti, La Monte Young, Terry Riley, Charlemagne Palestine. Lì inventa con Cordelli le performance del Poeta postumo, mentre nel ’77 la città si rintana letteralmente sotto terra.
E, l’estate di due anni dopo, il big bang di Castelporziano: il festival dei poeti, la Woodstock della poesia che conta a un certo punto ventimila spettatori, in gran parte nudi, sulla spiaggia: in cui la poesia espansa, divenuta d’improvviso fenomeno di costume, si trasforma in teatro della crudeltà narcisistico, insolente profezia del mare della soggettività – come lo chiamava allora Dario Bellezza – in cui tuttora naufraghiamo.
Infiniti altri, con questi, i ricordi che Simone ti regalava. Con una generosità tanto vasta e competente quanto semplice, immediata. Senza nostalgie né smanie di protagonismo. Sempre rivolto agli altri, ora come allora. E a te, che non avevi visto niente, all’improvviso pareva di vedere tutto – riflesso nei suoi occhi. Quegli occhi così grandi e spalancati nei quali il suo corpo prosciugato, alla fine, pareva volersi concentrare tutto. Lo sforzo “documentario” degli ultimi anni – le dirette in streaming dell’E-Theater, le infinite riprese video con la complicità di Areta Gambaro, il Romanzo di Castelporziano pubblicato l’anno scorso con Stampa Alternativa, le stesse interviste a Lo Pinto o alla figlia Elettra, che si spera potrà presto raccoglierle e ordinarle, così come l’archivio del Beat 72 – si lascia intendere come un tentativo, epico nella sua impossibilità, di restituirci il mare di vita di cui Simone Carella è stato testimone. Erano i suoi occhi, il vero affresco.
29 Settembre 2016
domenica 2 ottobre 2016
Sabato 1 ottobre e "Le ragazze",edizioni Einaudi (ovvero,cambiate grafica!)
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Oggi, sabato 1 ottobre, sono entrate in Libreria 6 persone (non si tratta di un numero a caso) chiedendo di vedere "Le ragazze", Emma Cline, Einaudi.
Nessuno ha acquistato il volume e tutti, bizzarramente tutti, si sono lasciati andare a battute sarcastiche sulla copertina.
La copertina del libro è stata il deterrente.
Informate Emma Cline.
(La libraia non voleva essere cattiva)
sabato 1 ottobre 2016
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